Hugo Schüwer Boss, Every Day is Exactly the Same

L’exposition rassemble des œuvres appartenant à différentes séries de peintures réalisées par Hugo Schüwer Boss entre 2013 et aujourd’hui. Elle offre ainsi un aperçu assez complet des différentes recherches de l’artiste au fil du temps et de la diversité de ses propositions plastiques qui dialoguent avec l’histoire de la peinture et les nouvelles technologies, qu’elles soient numériques ou non.

Ce faisant, elle révèle une évolution de la pratique de l’artiste qui d’une peinture protocolaire et géométrique marquée par la notion d’abstraction, qui présidait à ses premières séries, a évolué vers une plus grande liberté du geste et la multiplicité des références. Sa peinture ne cesse cependant d’interroger la question de l’image et de convoquer des domaines différents (peinture, photographie, cinéma, littérature), et des notions ou registres opposés : mécanique/manuel, vitesse/lenteur, apparition/disparition, figuration/abstraction, numérique/analogique…

L’exposition met également en exergue l’importance que revêt pour l’artiste l’univers musical et, comme en témoigne notamment la rencontre entre ses peintures et une sculpture de Raphaël Zarka, le dialogue incessant qu’il entretient avec d’autres artistes, historiques ou contemporains.

SZ

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Extrait d’entretien entre Hugo Schüwer Boss et Sylvie Zavatta

«[Les œuvres présentées dans cette exposition sont] en général les dernières pièces d’une série, ce moment où j’ai déjà envie d’autre chose et où je commence à penser à la suite. Ce sont ces pièces qui me semblent les plus singulières car elles condensent les enjeux d’un temps de travail tout en cherchant à les dépasser. Cette exposition donnera donc à voir un ensemble relativement hétérogène et par extension une évolution dans ma pratique, entre 2013 et aujourd’hui. D’un vocabulaire hard edge et géométrique, ma peinture a évolué vers une facture moins lisse, moins délimitée, plus autonome vis à vis de cette notion d’abstraction trouvée […] A l’époque, mon travail était plus programmatique, mes peintures étaient alors des fichiers vectoriels, des idées avant d’être des peintures, ce qui n’est plus vraiment le cas aujourd’hui. […] Cette rupture ne s’est pas faite de manière immédiate, progressivement, des éléments plastiques se sont invités dans mon travail : du geste, de la transparence, du flou...comme autant de réminiscences de mes premières peintures lorsque j’étais encore étudiant. Aujourd’hui je travaille avec des intuitions et moins avec un ordinateur, sans idée préalable de ce que j’obtiendrai, j’apprends à accepter ce qui advient.

C’est sans doute cela qui génère cette sensation d’improvisation et de liberté […], et c’est ce à quoi j’aspire ; une liberté dans la facture, dans l’expérimentation et une liberté vis à vis de l’histoire de l’art. Mon travail comporte désormais une dimension one shot (c’est un terme musical qui désigne un enregistrement en une seule prise) ; c’est à dire que le geste demande de la conviction et un certain lâcher prise, j’ai besoin de ce moment de tension ou les dés sont jetés et où il faut y croire pour que cela fonctionne.»